Des Teufels Bad

Es ist eine aussergewöhnliche Liebe zum historischen Detail, die den Film so besonders und damit gleichzeitig so bedrückend macht.

Der Film befasst sich auf eindrückliche Art und Weise mit einem wenig bekannten historischen Phänomen. An der Schwelle zur Aufklärung, insbesondere ab 1650, häufen sich im deutschsprachigen Raum Fälle von dem, was Juristen des 18. Jahrhunderts als «mittelbaren Selbstmord» bezeichneten: Morde, die begangen werden, um die eigene Hinrichtung herbeizuführen und damit der ewigen Verdammnis eines direkten Selbstmordes zu entgehen. Besonders viele dieser über 400 dokumentierten Fälle betrafen Frauen, die Opfer waren oftmals Kinder. Der dritte Langspielfilm von Veronika Franz und Severin Fiala greift also wieder das Thema Mutterschaft prominent auf, das bereits im Debüt des Regieduos 2014, dem Horrorfilm Ich seh, ich seh, eine tragende Rolle einnahm. Der mehrfach ausgezeichnete Film ist nicht nur aufgrund der beeindruckenden Kameraarbeit von Martin Gschlacht und den grandiosen schauspielerischen Performances von Anja Plaschg, Maria Hofstätter und David Scheid sehenswert, sondern vor allem wegen der grossen Detailverliebtheit in der religions- und justizgeschichtlichen Recherchearbeit. [...] Scheinbare Kleinigkeiten wie das Vaterunser-Beten als Zeitmass beim Kochen sind ebenfalls wichtige Bausteine für ein atmosphärisch dichtes Bild einer düsteren historischen Epoche. Franz und Fiala erzählen ausserdem in Des Teufels Bad nicht nur die Geschichte eines in der historischen Forschung wenig bekannten Phänomens. Sie tun dies auch aus einer bestimmten Perspektive. Dadurch geben sie Frauen aus dem bäuerlichen Milieu, den Unsichtbaren und Ungehörten jener Zeit, eine Stimme.

Das Beten ist allgegenwärtig im Film. Oder die mühevolle Handarbeit auf dem Feld, für die die abgemergelten Tagelöhner in ihren zu grossen Kleidern mit einer alten Scheibe Brot entlohnt werden. «Ich wollt weg von der Welt», wird Agnes am Ende des Films sagen, als sich der Tod ein weiteres Mal über die Gemeinschaft gelegt hat. Anja Plaschg, die als Soap&Skin auch die Musik komponierte, spielt den Leidensweg einer der Welt überdrüssigen Frau mit grosser Intensität. Sie gibt den Unsichtbaren und längst vergessenen Frauen jener Zeit, gefangen in den untröstlichen Verhältnissen, ein Gesicht der Verzweiflung, das lange in Erinnerung bleibt. Dem Leiden der Menschen steht die Natur mit grosser Gleichgültigkeit gegenüber. Kameramann Martin Gschlacht, der bei der Berlinale den Silbernen Bär für eine herausragende künstlerische Leistung erhielt, fängt die düsteren Waldkulissen, die jegliches Licht zu schlucken scheinen, in beeindruckenden Bildern ein. Es ist diese existenzielle Urgewalt des Daseins, die den Wäldern innewohnt und die einen gleichermassen erstaunen und erschaudern lassen. Der tiefe Glaube, den die Menschen hier in sich tragen, wirkt angesichts des Schweigens der Welt wie ein verzweifelter Hilferuf. Dass die Menschen dabei zu ihrem eigenen Teufel werden, zeigt der Film auf erschütternde Weise.